“Ponte tu mejor ropita, que vamos para el MET”. Así me dijo mi amiga en mi última visita a New York en el mes de septiembre. Yo, iba de turista y lo mejor que llevaba era mi jumsuit corto y negro (en el que este cuerpo no había entrado desde el 2018) y mis mocasines camel, con los que me gané la simpatía de medio museo, incluyendo el guardia de seguridad de la puerta, que me pidío la tarjeta de vacunación y el nombre de la tienda donde los había comprado.
No era mi primera visita al MET, pero en tiempos de pandemia, a diferencia de las otras veces, aparecernos allí a cualquier hora, era el equivalente a visitar cualquier casa de vecino a las 12 del día y sin avisar, simplemente no es lo correcto. Hay que hacer cita con tiempo y esto, obviamente, le da tiempo al visitante de vestir sus mejores galas. De hecho, se nota bastante la diferencia entre un turista regular y uno que es amante de la moda. Juzgando por lo que vi fuera y dentro del museo, es uno de los tantos lugares en los que el lenguaje de la moda habla por sí solo. Inserte aquí foto de street style que no logré tomar.
Pero, vamos al punto. Después de una larga fila que es parte del protocolo de salud, te encuentras con la escalera de entrada al Anna Wintour Costume Center. Al bajar y mirar hacia arriba, en la escalera de entrada se visualiza un asta de bandera, que en realidad es un conjunto de la colección otoño 2021, diseñado por Rio Uribe. ¿Mi primera impresión? Nunca fue tan literal el desafío de colgarse un tubo en señal de patriotismo… ¡Viva América!
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En el pasillo te reciben enmarcados varios abrigos de tweed con la bandera a pecho, firmados por los íconos Ralph Lauren, Tommy Hilfiger, un clásico americano igual que ellos, que representan el optimismo. Se hacen acompañar por dos transgresores de la moda: Willy Echavarría, que llama la atención con un sweater crop top con la bandera americana al revés donde las estrellas se caen, y la marca Denim Tears que, según se lee la inscripción, representa la bandera afroamericana. En el momento pensé en la tristeza de la situación que vivimos o las almas que se perdieron… nada tan profundo. Seguimos.
Al final del pasillo de entrada, giras en el vestido de LSR con estampado de bandera con la inscripción “Stronger than ever”, –no pude evitar leer esta frase como un grito de guerra–, y finalmente entras al salón. A primera vista te sorprende la simplicidad del montaje; al principio piensas en el minimalismo que popularizó Calvin Klein en los 90, pero luego ves otros nombres que representan todo lo contrario como Prabal Gurung o Marc Jacobs, y se te pasa. Presentes en la primera hilera de cajones, los de siempre: Oscar de la Renta, Carolina Herrera, con galas que representa el deleite y espíritu (americano).
Mientras avanzas por el laberinto de las 12 secciones que forman los grandes cajones blancos, 100 aproximadamente, en cuyo interior se muestran piezas de hombre, mujer o indistinto; te das cuenta que, en conjunto, cada cuadro representa un paño de patchwork. Cada parche representa una cualidad emocional: nostalgia, pertenencia, deleite, alegría, asombro, afinidad, confianza, fuerza, deseo, seguridad, comodidad o conciencia, a través de la pieza que está en su interior en cuya cabecera se lee la emoción que representa y al pie se describe el cómo y el porqué merece estar ahí.
Si vas con un ciudadano o estudiante que sea residente en New York, New Jersey o Connecticut, el costo de la entrada dependerá de lo que quieran donar al museo. De lo contrario, el precio por persona es de 25 dólares adultos; 17 dólares los mayores de 65 años; 12 dólares los estudiantes. Los niños menores de 11 años entran gratis.
Limpiamente curada, la exposición no te abruma, te lleva paso a paso, cuadro por cuadro sin ánimo de impresionar, pero sí de dejar algo en qué pensar, como el hecho de que, como dijo el curador Andrew Bolton en su entrevista para Vogue: “Es imposible definir la moda americana en un solo concepto”. Aparentemente tampoco en una sola exposición, ya que la segunda parte titulada In America: An Anthology of Fashion, se inaugurará el año que viene.
En el recorrido
Honesty: una de mis piezas favoritas de toda la exposición, fue diseñada por Claire McCardell en 1943.
Awareness: conjunto de chaqueta en denim diseño de la colección pre-fall 2019 de la marca threeASFOUR.
Commemoration: túnica corte A con patchwork de la colección La Réunión. La diseñadora Sarah Nsikak creó esta pieza especialmente para el MET.
Renewal: detalle de la chaqueta de la marca Libertine, colección 2004.
Admiration: pieza y detalle, diseño de Eckhaus Latta, colección otoño-invierno 2015.
Joyfulness: Serendipidy donó tres piezas a la exposición, una de ellas fue el camisero en corte trapecio de su colección de 1976.
