El eterno sueño de Guillermo del Toro finalmente se ha manifestado, y no es simplemente una película, es una catedral gótica levantada a la sensibilidad, la compasión y la ambición desmedida.
Su versión de Frankenstein, un proyecto que ha acariciado durante más de medio siglo, es la adaptación definitiva que necesitábamos, no por su fidelidad ciega al texto de Mary Shelley, sino por cómo honra su espíritu más profundo y doloroso.
Este director ya nos ha mostrado su capacidad para recrear escenarios tenebrosos y hacer que el espectador tenga una mirada distinta de las cosas lúgubres, ya nos ha hecho enamorarnos más de una vez de sus criaturas imaginarias y magnificamente extrañas, lo hizo en “The Shape of Water”, y en “El Laberinto del Fauno”, “La Cumbre Escarlata”, entre otras producciones que guardan la complejidad y el sentimentalismo que solo del Toro sabe recrear en sus películas.
El desarrollo intenso de “La criatura”
Lo que hace que este proyecto sea inherentemente interesante es la pasión obsesiva de su creador. Del Toro ha dedicado su vida a la iconografía de los monstruos, y Frankenstein no es un encargo, sino una peregrinación personal. Esta no es una versión de terror fácil; es una ópera oscura, rica en el romanticismo violento y anárquico del siglo XIX, tal como del Toro cree que lo vivió Shelley.
El desarrollo de la película es una lección de artesanía práctica. En un mundo dominado por el CGI, este magnicifico director construyó sets majestuosos barcos de verdad, laboratorios húmedos y salones que parecen extraídos de cuadros barrocos para darle un peso táctil a su universo.
Esta elección no es solo estética; es ideológica, buscando una belleza imperfecta y palpable. El diseño de La Criatura, encarnada por el melancólico y frágil Jacob Elordi, es un testimonio de esto: lejos del monstruo torpe, es una figura de anatomía hermosa, ensamblada de manera meticulosa con 42 piezas protésicas en un proceso diario de 10 horas de maquillaje. Este enfoque le da a La Criatura una fragilidad y una humanidad inmediatas, esenciales para el desarrollo dramático.
La Magia de la Deconstrucción: Victor y la Criatura
Del Toro deconstruye el mito de forma brillante, y ahí reside su mayor fascinación: invierte el tropo de quién es el verdadero «monstruo».
Victor, el Tirano Ambicioso
Oscar Isaac interpreta a un Dr. Victor Frankenstein que no es solo un científico loco, sino un creador complejo, arrogante y profundamente herido.
Del Toro lo ve como un tirano que se disfraza de víctima, un hombre obsesionado con el triunfo personal que ve a su creación no como un hijo, sino como una extensión fallida de su propio ego. La crueldad de Victor, impulsada por un trauma paternal y una necesidad de control, es el motor real del horror.
La Criatura, el Alma Quebrada:
Elordi logra una actuación que ha sido aclamada como el corazón de la película. Su Criatura es vocal, llena de ira, pero nunca pierde su fragilidad inicial y su anhelo de pertenencia. La película se convierte en una historia sobre la linaje y el trauma heredado: la relación entre padre e hijo, creador y creado. El desarrollo de este vínculo disfuncional, más allá del terror gótico, es lo que conmueve y desgarra.
¿Por Qué Hay Que Verla? El Banquete Visual y Emocional
Esta versión es imperdible por varias razones de peso, más allá de su ovación de 13 minutos en el Festival de Venecia:
Elenco de Lujo
Un reparto estelar que incluye a Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth y Christoph Waltz inyecta capas emocionales profundas a personajes que en otras adaptaciones han sido planos.
Una Mirada Íntima a lo Humano
Del Toro utiliza el horror para explorar temas delicados: el perdón, la aceptación, la necesidad de amor y la pregunta existencial de «¿Qué significa ser humano?» La película, en última instancia, trata sobre la posibilidad de sanar y romper el ciclo del abuso.
El Estilo Gótico Inconfundible
Desde el diseño de producción que usa la luz y la sombra como pinceles hasta los vestuarios detallados, la película es un banquete visual que evoca el gran cine gótico, pero con la sensibilidad única de Del Toro por la belleza en lo monstruoso.
Frankenstein de Guillermo del Toro es más que una película de monstruos; es un melodrama majestuoso que nos obliga a mirarnos en el reflejo de La Criatura. Es una obra de arte que te hará amar, llorar y, finalmente, perdonar.
Guillermo del Toro, como un devoto de Mary Shelley, recoge la compasión y la convierte en la tesis central de su película, pero con un giro clave: el enfoque en la paternidad, el abuso y el perdón.bDel Toro no solo adapta la novela; adapta la sensibilidad de Shelley hacia su personaje.
La Criatura como Víctima Pura
Si Shelley mantenía una ambigüedad moral (La Criatura es víctima, pero también asesina despiadada), Del Toro la simplifica en aras de la emoción.
En esta adaptación, la Criatura (Jacob Elordi) es presentada como un ser completamente inocente y vulnerable, cuya violencia posterior es una reacción directa e inevitable al abandono y la brutalidad de su creador, Víctor (Oscar Isaac). Del Toro elimina o suaviza la ambigüedad y la crueldad más despiadada de la Criatura, convirtiéndolo en un testimonio de la resistencia del desvalido.
El director ha declarado que su versión busca «regresar a la sensibilidad de Mary Shelley, no al mito deformado por el cine». Su amor por el monstruo se traduce en una dirección que privilegia la empatía, la melancolía y la belleza estética del ser marginado.
La mayor adaptación de Del Toro respecto al tema del amor y la pareja se encuentra en el destino de Elizabeth Lavenza (Mia Goth), la prometida de Víctor.
Del Toro elimina la subtrama de Víctor creando a una «novia» para La Criatura. En su lugar, el director ha sugerido que Elizabeth, la prometida de Víctor, se convierte simbólicamente en la figura de la compañera.
Del Toro afirmó: «Ella [Elizabeth] también es una criatura que no encaja en este mundo. En la película se da una hermosa unión de almas [entre la Criatura y Elizabeth]… La Criatura encuentra una novia y la pierde el mismo día. Creo que es una de las maneras más conmovedoras de abordar el tema de la novia en la historia.»
Este giro permite a Del Toro enfatizar que el amor y la conexión existen, pero son trágicamente truncados por la arrogancia y el control de Víctor.
Finalmente, Guillermo del Toro rompe con la tragedia sin resolver de Shelley para ofrecer una catarsis emocional. Mientras que en la novela original Víctor muere sin redimirse y La Criatura desaparece en la soledad, la versión de Del Toro opta por la reconciliación:
El final enfatiza el perdón sobre la venganza, con Víctor pidiendo perdón y reconociendo a su creación como su hijo. Este cambio es el clímax del «amor» que Del Toro siente por la Criatura: no solo busca que el público lo entienda, sino que su propio creador finalmente le dé la validación que Shelley siempre quiso darle a su personaje.
En resumen, Guillermo del Toro adapta la compasión de Mary Shelley por su criatura, convirtiendo su historia en una fábula sobre el trauma, el abandono paternal y la posibilidad de redención a través de la empatía, incluso si el amor es imposible.
